L’Œuvre
« Vigueur, équilibre, majesté, éclairage intérieur émanant d’une admirable structuration : la signature du maître est bien là, rendue plus identifiable par le culte voué aux élans orthogonaux, ainsi que par l’alternance, méditée avec subtilité, de plans courbes et de lignes droites. On sent, à quelque chose de très insidieux mais de très insistant, combien l’auteur d’une telle composition reste habité par la nostalgie des cathédrales. »
Dans les années 1990, Francesco Marino di Teana conçoit des compositions dont les éléments se retrouvent libérés de leurs propriétés physiques grâce au travail sur l’espace sensible retravaillé autour de formes géométriques d’apparente simplicité cachant en réalité une véritable complexité d’agencement. C’est l’époque de ses œuvres les plus symboliques telle que la Liberté. Érigée en 1990 en format monumental à Fontenay-sous-Bois (H.20 mètres), les lignes et les espaces de l’œuvre se multiplient pour mieux s’agencer dans un ballet d’une extrême précision, explorant les courbes en continuité des recherches de l’artiste sur la désintégration du cercle. Il révèle ainsi le mouvement et les rythmes capables de s’extraire du métal, que ce soit sous la forme d’un gigantesque monument de plus de 100 tonnes ou d’une sculpture à glisser au creux de nos mains.
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Edition « Art For All by Galerie Loft »
1979-90 – ÉD. 2022
Fonte de métal
H.20 x L. 10 x P. 9 cm
1100 grammes
Édition à 300 ex.
Dim. de la boite avec étui de protection : H. 24 x L. 14,5 x P. 12 cm
Vidéo
Présentée à ART PARIS ART FAIR 2019, cette vidéo permet de mieux comprendre le processus de création de Marino di Teana.
L’Œuvre
« Vigueur, équilibre, majesté, éclairage intérieur émanant d’une admirable structuration : la signature du maître est bien là, rendue plus identifiable par le culte voué aux élans orthogonaux, ainsi que par l’alternance, méditée avec subtilité, de plans courbes et de lignes droites. On sent, à quelque chose de très insidieux mais de très insistant, combien l’auteur d’une telle composition reste habité par la nostalgie des cathédrales. »
Dans les années 1990, Francesco Marino di Teana conçoit des compositions dont les éléments se retrouvent libérés de leurs propriétés physiques grâce au travail sur l’espace sensible retravaillé autour de formes géométriques d’apparente simplicité cachant en réalité une véritable complexité d’agencement. C’est l’époque de ses œuvres les plus symboliques telle que la Liberté. Érigée en 1990 en format monumental à Fontenay-sous-Bois (H.20 mètres), les lignes et les espaces de l’œuvre se multiplient pour mieux s’agencer dans un ballet d’une extrême précision, explorant les courbes en continuité des recherches de l’artiste sur la désintégration du cercle. Il révèle ainsi le mouvement et les rythmes capables de s’extraire du métal, que ce soit sous la forme d’un gigantesque monument de plus de 100 tonnes ou d’une sculpture à glisser au creux de nos mains.
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Edition « Art For All by Galerie Loft »
1979-90 – ÉD. 2022
Fonte de métal
H.20 x L. 10 x P. 9 cm
1100 grammes
Édition à 300 ex.
Dim. de la boite avec étui de protection : H. 24 x L. 14,5 x P. 12 cm
Vidéo
Présentée à ART PARIS ART FAIR 2019, cette vidéo permet de mieux comprendre le processus de création de Marino di Teana.
L’Œuvre
L’élément qui symbolise le mieux le travail et l’œuvre de Yazid Oulab est très probablement le « clou ». Le clou c’est à la fois le lien entre le geste et l’esprit, mais également entre les différents mondes et époques qui inspirent l’artiste, non seulement la culture occidentale dans tout son mysticisme judéo-chrétien mais également la culture arabe. « Âlif »,c’est la première lettre de l’alphabet, la première lettre du nom d’Allah et la première syllabe du verbe « lire, apprendre », signe de transmission de la parole divine et de la connaissance. Ce petit objet fondamental des constructions architecturales est également présent dans de nombreuses mythologies, symbolisant le destin chez les grecs, la protection chez les chaldéens et le pouvoir chez les Gaulois. Il est aussi à l’origine de la plus ancienne des formes d’écriture, l’écriture cunéiforme des Mésopotamiens. Les clous de Yazid Oulab sont de véritables prétextes aux questionnements sur la place de l’homme dans l’univers, dans la confrontation a des cultures, des époques et des croyances à partir desquelles il se construit ou se définit. Pour Art for All Yazid Oulab réalise une nouvelle version de son œuvre, multipliée et sublimée dans une forme trinaire tout aussi symbolique.
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Édition « ART FOR ALL »,
2012 – Éd. 2020
Fonte de métal chromé
H.3,7 x L. 13 x P. 12 cm – 405 gr.
Signé sur un des éléments et numéroté à 500 ex.
Dim. de la boite (avec étui de protection) : H. 16 x 16 x 9 cm
Vidéo
Découvrez ce que symbolise le clou Alif pour Yazid Oulab !
L’Œuvre
« Même les ouvriers qui réalisent les tâches les plus petites accomplissent quotidiennement une œuvre. »
À la croisée des cultures et des mondes, Li Lihong ne cesse de nous surprendre avec ses figures hybrides issues de la rencontre de l’art et de l’iconographie contemporaine.
Sa dernière œuvre, Michelin China, emprunte ainsi sa forme autant à la religion qu’à la publicité. Dans une pause méditative, un bonhomme Michelin, célèbre icone de la marque française qui évoque de par le monde l’excellence gastronomique et le luxe, se transforme en Bouddha. Son visage impassible, presque effacé, et ses traits qui soulignent un visage serein inspirent un profond sentiment de calme et de détente qui contraste avec le degré parodique du choc culturel. Quant aux couleurs et aux motifs qui ornent cette œuvre, elles renvoient tantôt aux idoles des temples, tantôt à la porcelaine ancestrale chinoise, comme pour nous rappeler à quel point Li Lihong sait créer des ponts entre le traditionnel et le contemporain. Une fois de plus l’artiste nous fait sourire autant qu’il nous fait rêver, nous projetant au cœur de son univers grâce à cette nouvelle oeuvre intégrée à la collection Art for All. Un véritable concentré de félicité.
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Édition « ART FOR ALL » par Galerie Loft,
2020, Fonte de métal peint,
Motifs de nuages bleus,
H.10 x L. 9 x P. 8 cm – 855 gr.
Signé en dessous et numéroté à 999 ex.
Dim. de la boite (avec étui de protection) : H.11 x 15 x 15 cm.
L’Œuvre
« Bernard Quentin que venez-vous de faire ? Et bien j’ai tout simplement gonflé un ballon pour lui donner la vie. C’est une simple enveloppe qui prend une forme et qui évolue. » (Entretien avec Bernard Quentin, INA, 1968)
Les recherches sur les structures pneumatiques de Bernard Quentin l’amènent à devenir au début des années 1960 le premier designer à concevoir des sièges intégralement gonflables et sans structures. Dans cette lignée, il commence à développer à partir de 1966 le principe de « Molecul’Air », des structures gonflables constituées de l’agglomération de sphères à la manière d’un regroupement d’atomes, susceptibles de se transformer aussi bien en meuble qu’en maison. Son Fauteuil Molécul’air, pièce hybride entre sculpture et mobilier exprime peut-être mieux que n’importe quelle autre œuvre la poésie, la magie et le futurisme du travail de Bernard Quentin. Œuvre imaginée en 1966, sa complexité technique ne lui avait pas permis d’être éditée avant aujourd’hui. Malgré cela, sa force novatrice et sa folle modernité sont restées intactes et c’est dans l’optique de pouvoir enfin révéler au grand public cette œuvre incontournable que l’artiste a souhaité l’inclure dans la collection Art For All peu de temps avant de nous quitter.
Exposition
2021, AERODREAM, Centre Pompidou-Metz, France
2020, Le siège se révolte, Musée Saint Quentin, Yvelines, France
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Édition « ART FOR ALL » par la Galerie Loft,
1966 – Éd. 2020
Mobilier gonflable
PVC de couleur – Coloris transparent, blanc, orange, doré ou argenté.
H.60 x L.150 x P.112 cm
H. de l’assise : 40 cm
Titré, signé, daté et numéroté à 600 ex. à l’arrière
Dim. de la boite : H.23 x L.48 x P.27,5 cm
Gonfleur électrique inclus (230V, Type C)
Vidéo
Découvrez la passion pour l’air et pour les structures pneumatiques de Bernard Quentin à travers ces exemples de modernité et de poésie !
L’Œuvre
Dans les années 1960, Bernard Quentin crée ses premières sculptures gonflables (Cybules) après avoir réalisé qu’au XXe siècle l’artiste se devait désormais de travailler à partir de nouveaux matériaux en essayant, par sa vision du monde, de modifier peut-être ou de créer des objets à l’échelon industriel. Il va ainsi devenir le premier designer à concevoir des sièges intégralement gonflables qui seront présentés en 1963 par la Galerie Iris Clert à Paris lors d’une exposition à ambition futuriste (Le salon de l’an 2104) puis à la Foire internationale de New York en 1964 avant d’être réalisés par Plasteco Milano en Italie. Dans la foulée Bernard Quentin conçoit un ensemble d’architectures, de voitures et de mobilier gonflables dont le Fauteuil Croissant diffusé par le Printemps qui avait été choisi pour habiller le bar du Pavillon Français de l’Exposition Universelle de Montréal en 1967 avant de rejoindre les collections du Centre Pompidou. Bernard Quentin ayant toujours revendiqué sa volonté de rendre l’art accessible à tous, une œuvre, telle ce Fauteuil Croissant, trouve naturellement sa place au sein de la collection Art For All, d’autant qu’elle symbolise un tournant historique dans la démocratisation non seulement de l’art mais aussi du design contemporain.
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Collection du Centre Pompidou (2007) & Musée national d’art moderne
Présentation des collections permanentes (collections contemporaines), Musée national d’art moderne / Centre de création industrielle, Paris, France, 01 avril 2007-01 avril 2009
Construire l’air : Málaga, Centre Pompidou Málaga, Espagne, 8 novembre 2018-10 février 2019
Nouvelles vagues : Toulon, Cercle naval de Toulon, France, 27 juin 2019-24 novembre 2019
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Edition « ART FOR ALL » par la Galerie Loft,
1963 – Éd. 2019
Mobilier gonflable
PVC de couleur – Coloris orange, doré ou argenté.
H. 60 cm x D.100 cm
H. de l’assise : 30 cm
Titré, signé, daté et numéroté à 600 ex. en dessous
Dim. de la boite : H.24 x L. 43 x P. 14 cm
Gonfleur électrique inclus (230V, Type C)
Vidéo
Découvrez la passion pour l’air et pour les structures pneumatiques de Bernard Quentin à travers ces exemples de modernité et de poésie !
L’Œuvre
« C’est l’une des grandes conquêtes de l’art contemporain d’avoir su voir l’écriture en elle-même, lui reconnaître une spécificité plastique. Quentin est de ceux qui en ont tiré le maximum de conséquences, c’est-à-dire d’œuvres. Tout ce qu’il a créé dans cette béance de la modernité renvoie à ce marquage du monde qu’est l’écriture. »
L’Œuvre
« J’ai découvert les écrits de LAO TSEU quand j’étais jeune. Sa pensée m’a toujours fascinée et j’ai ressenti la nécessité de lui rendre hommage, en sculpture ou en peinture. Mon œuvre Hommage à Lao Tseu est le fruit de la lecture répétée du Tao Tö King (le Livre de la Voie et de la Vertu). »
Dans les années 1970, Francesco Marino di Teana commence à concevoir des compositions qui se libèrent de leurs propriétés physiques (poids, formes, matières…) grâce au travail sur l’espace sensible. C’est l’époque des œuvres les plus iconiques de l’artiste, notamment L’Hommage à Lao Tseu, qui fait référence à la philosophie orientale mais aussi aux cultures multiples que représentent l’artiste (France, Italie, Argentine). Incarnant l’équilibre des énergies, cette sculpture est composée de quatre piliers verticaux centraux de même dimension qui créent une assise parfaite aux quatre flèches horizontales pointant vers différentes directions dans un esprit d’ouverture et de projection vers l’extérieur. Sa forme simple et épurée, soulignée par son matériau d’acier mat ou chromé, peut évoquer à la fois la proue d’un bateau ou un diapason, devenant alors un symbole pluriel de Nature et Culture.
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Edition « ART FOR ALL » par la Galerie Loft,
H.16 x L.8.5 x P.4 cm – 750 gr,
Fonte de métal chromée,
Signé du poinçon de l’artiste sur le côté et numéroté à 300 ex.
Dim. de la boite : 20 x 13 x 5,5 cm.
Vidéo
La théorie tri-unitaire 1 + 1 = 3 de Marino di Teana n’aura plus de secret pour vous !
L’Œuvre
C’est en explorant la question des chocs culturels de nos sociétés contemporaines et l’universalisation des « symboles » issus du capitalisme que Li Lihong réalise à partir de 2007 plusieurs séries de céramiques qui transposent en trois dimensions les formes des « icônes modernes » que représentent les logos des grands groupes américains tels que Nike (Nike China, 2007) ou Mc Donald’s (Mc Donald’s China, 2008).
Parmi ces sculptures, sa pomme Apple – China, déclinée sous différents motifs et couleurs à partir de 2007, va devenir l’œuvre la plus représentative de son travail à la fois poétique et parodique. En transformant le logo de la célèbre entreprise informatique américaine en sculptures dorées ou argentées, décorées de motifs traditionnels chinois (dragons, nuages…), Li Lihong matérialise les relations complexes qu’entretiennent ces deux puissances économiques depuis plusieurs décennies, entre confrontation et fusion, dialogues et contradictions.
Pour la collection Art for All, Li Lihong nous propose une édition de cette œuvre mythique en format accessible, prouvant à quel point son regard audacieux n’est pas limité par une dimension ou un matériau spécifique et se construit dans une volonté de s’adresser à tous.
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Fonte de métal peint – Coloris doré ou argenté Motif de dragon blanc et bleu
H. 6,2 x D. 5 cm – 435 gr.
Signé en dessous et numéroté à 300 ex. Dim. de la boite : H. 8,5 x L. 8 x P. 7 cm
L’Œuvre
« Il fut un temps où l’on considérait que les deux plus grandes stars d’Hollywood étaient Charlie Chaplin et Mickey Mouse. »
John Lasseter
En considérant les grands symboles de notre époque, Li Lihong en vient à explorer une des icônes majeures de nos sociétés contemporaines, la plus célèbre des souris, née de l’imaginaire de Walt Disney en 1928, et dont la silhouette est devenue en un peu moins d’un siècle un symbole universel lié à l’enfance et à la nostalgie.
Dans son œuvre Mickey – China, l’artiste chinois Li Lihong se réapproprie la ligne de la fameuse tête aux oreilles circulaires, aujourd’hui devenue marque de fabrique officielle de l’empire Disney, pour la transposer en une sculpture ronde et harmonieuse. Immergée à la base sous un flot de vagues puissantes et déchaînées, cette œuvre cristallise la rencontre de la nature et de la culture en mouvement constant, à la fois ancestrale et moderne.
Pour la collection Art for All, Li Lihong concentre tout le potentiel de cette œuvre, conçue en 2009, dans un format accessible, pour offrir à tous ce qu’il fait de mieux, porter sur le monde d’aujourd’hui un regard amusé, insufflé par l’ironie et l’harmonie de sa pratique artistique.
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Fonte de métal peint – Coloris doré ou argenté
Éd. 300 ex.
Dim. de la boite : H. 10 x L. 10 x P. 9 cm
