L’Œuvre
« Angel Bear, c’est un totem, un message d’alerte pour tous les hommes »
Il y a quelques années, bouleversé par la photographie d’un ours polaire dérivant sur un morceau de banquise et destiné à une mort certaine, Richard Texier imagine Angel Bear, un ours ailé bionique et hybride. Cet animal mythique de plus de 7 mètres de haut, dont l’existence est menacée par le réchauffement climatique, renvoie à notre monde en constante évolution mais fait aussi un écho symbolique à notre compagnon d’enfance. Lorsque l’artiste le place sur son socle majestueux sur le parvis de la Gare du Nord, espace où transitent près de 700 000 personnes chaque jour, l’ours vient saisir les voyageurs pour leur délivrer un message silencieux sur la fragilité du monde et les enjeux du climat. En le parant d’une peau couleur rouge, il accentue encore davantage le message d’alerte et de danger qu’il dégage et souligne la nature, de cet être qui, à l’image de l’homme, est à la fois puissant et fragile. Le rêve ultime de Texier est que cette œuvre puisse « trouver une vie au sein de la communauté humaine ». En intégrant cette sculpture à la collection Art for All l’artiste fait aujourd’hui un pas de plus vers ce souhait, en offrant à tous l’opportunité d’acquérir cette pièce aux enjeux et à la symbolique décisifs.
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Édition « Art For All »,
2015 – Éd. 2021,
Fonte de métal peint – coloris Rouge ou plaqué or
H.22 x L.18 x P.16,5 cm – 1080 gr.
Signé sur le coté et numéroté à 600 ex.
Vidéo
Découvrez dans la vidéo l’artiste Richard Texier et le message porté par cette œuvre.
L’Œuvre
« Une grande partie de mon travail est une reconstruction historique de mon enfance. En Argentine, quand j’étais petit, au moment de la guerre, tous les jouets qui venaient du Japon ou d’Europe ont disparu et les gens ont commencé à inventer des jouets pour les vendre dans les marchés avec du bois peint. Entre 1965 et 1968, j’ai préparé une exposition pour la Galerie Jean Boucher et la Galerie Claude Bernard avec des œuvres qui étaient une forme de “reproduction” plus ou moins proche de tous ces jouets populaires ». Antonio Seguí, Août 2009
Par ses figures aux traits simples déambulant au cœur des villes, Antonio Seguí dépeint avec facétie et humour la comédie humaine. « Naturellement, j’aime fouiller à l’intérieur de l’individu, comprendre ses conflits, mettre à jour ses joies. » nous dit-il. Si une partie des éléments qu’il propose dans ses œuvres est liée à sa propre histoire (comme le chapeau, signe commun aux hommes de toutes classes sociales confondue dans l’Argentine de son enfance), le plus important à ses yeux est de laisser au spectateur le soin de construire sa propre histoire. L’homme moderne, qu’il croque avec plaisir et ironie, pressé et urbain, échappe alors à la grisaille quotidienne en se parant de couleurs vives, dans une éternelle quête de bonheur et de chaleur.
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Édition « Art For All »,
2012 – Éd. 2020,
Fonte de métal peint,
H. 13,5 x L. 16 x P. 4,5 cm – 450 gr.
Signé sur la base et numéroté à 999 ex.
Dim. de la boite (avec étui de protection) : H. 18,5 x L. 20 x P. 6,5 cm.
Vidéo
Pressez-vous de découvrir l’histoire de l’artiste Antonio Seguí et de sa nouvelle oeuvre « Homme Pressé ».
L’Œuvre
« Au début des années 2000, Claude Gilli avait choisi de revenir à son travail de prédilection, le bois découpé, pour faire vivre son plaisir de colorer les sentiments et les souvenirs. C’est pendant cette période qu’il a réalisé une suite de pièces en hommage à l’amour, à la vie, à son plaisir de nous surprendre… »
(Michel Roudillon, Dossier de presse de l’exposition POP LOVE les feux de l’amour, galerie LOFT, fév. 2018)
Symbole universel de la vie et du sentiment amoureux dans l’imaginaire populaire, le cœur possède une force visuelle et émotionnelle unique. Dans la série des « Feux de l’amour », CLAUDE GILLI le décline sous la forme de compositions en relief, brillantes et lisses, aux couleurs intenses. Jeux de mots, jeux de lumière, jeux de mise en abîme. Vivants et vibrants, ces cœurs découpés induisent une notion de profondeur de l’espace pictural, renforcée par la lumière des flammes qui viennent les caresser. Dans L’amour Fou, les cœurs se multiplient et s’enflamment, nous prouvant une fois de plus, que malgré les difficultés auxquelles il dut faire face tout sa vie, Gilli ne cessa jamais de créer avec une certaine magie dans une quête impérissable d’un idéal du bonheur.
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Edition « ART FOR ALL » par la Galerie Loft,
2010 – Éd. 2020
Fonte de métal peint
H.16,8 x L.11 x P.4 cm – 550 gr.
Signé sur le devant et numéroté à 500 ex.
Dim. de la boite : H. 22,5 x L. 16,5 x P. 5 cm
Vidéo
L’Œuvre
« Bousculer nos habitudes perceptives, interroger nos certitudes, remettre en question l’ordre apparemment immuable de notre rapport à l’autre, à l’animalité, au sauvage. »
Dossier de presse de l’exposition Zoospective, Citadelle de Besançon, 2018
La faune et le règne animal ont toujours été des sujets de choix pour Mauro Corda. Au cours des années 2000 il présente principalement les êtres vivants comme des espèces en mutation soumises à d’importantes crises écologiques et climatiques provoquées par l’homme (Le Criquet, 2013 ; Tortue-requin, 2017). Cette réflexion sur la mise à mal du règne animal par l’action de l’homme et la disparition massive de certaines espèces est particulièrement manifeste dans l’œuvre Les Suricates de 2018. Trois « sentinelles du désert » en alerte, se retrouvent les pattes engluées par le mazout échappé d’un baril de pétrole qu’elles surplombent. Comme figées à jamais dans le temps elles évoquent tout le tragique et l’urgence de la situation écologique actuelle. Cette œuvre phare de l’artiste, adaptée pour la collection Art for All, est un véritable cri d’alarme, un rappel à tous des enjeux majeurs auxquels l’humanité de demain se devra de répondre : la bioéthique et notre responsabilité commune dans la préservation de la planète.
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Édition par la Galerie Loft,
2020, Fonte de métal peint
Coloris du bidon : rouge
H. 16 x L. 6,5 x P. 6 cm – 530 gr.
Signé en dessous et numéroté à 500 ex.
Dim. de la boite : H. 19 x L. 12,6 x P. 9 cm
Vidéo
Découvrez l’univers artistique et le processus créatif de Mauro Corda !
L’ŒUVRE
« La bande dessinée est un art du futur ».
La vie et l’œuvre de Philippe Druillet ont depuis toujours été forgés par cette conviction. Ses compositions révolutionnaires caractérisées par un trait nerveux sont peuplées d’anti-héros obscènes, de guerriers spatiaux sans pitié, de créatures fantastiques difformes et d’architectures galactiques, gothiques et démesurées. Créateur boulimique, il enfante des êtres venus de mondes obscurs et abyssaux sur tous les supports à sa portée, que ce soit des planches de BD, des affiches de films, mais aussi des tableaux, du mobilier, des sculptures ou de la 3D.
À la fin des années 1970 il réalise ainsi une petite sculpture de guerrier, froid et figé dans son armure de métal, prêt à se réveiller d’un sommeil ancestral pour mener bataille. Itaï, c’est son nom, gardien du temps immobile, nous scrute en silence de son regard perçant. Sa silhouette évoque celle de Vuzz, aventurier cynique et fou, qui aurait été pétrifié sous un mausolée d’acier. Esthétisé par des courbes pures, le téméraire s’anoblit. Débarrassé de son enveloppe charnelle il devient alors impénétrable, insondable et mystique, tel un dieu d’une religion oubliée, un fétiche, un totem, un emblème.
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Fonte de métal peint ou vernis.
Coloris bronze ou rouge.
H. 11,5 x L. 7,5 x P. 4,5 cm – 930 gr.
Signé en dessous et numéroté à 300 ex.
Dim. de la boite : H. 14,5 x L. 10 x P. 6 cm.
Vidéo
Dans cet entretien, Philippe Druillet évoque son amour pour la sculpture et nous révèle l’origine des pièces qu’il a conçues dans le cadre de la collection Art for All.
L’Œuvre
« Ce qui me plaît, c’est l’image. Raconter une histoire ne m’intéresse pas, donc je prends uniquement ce qui m’attire et après les fragments s’assemblent comme par magie. »
Philippe Huart
Trois capsules se rencontrent et s’accouplent dans un étonnant ballet. La peau lisse et soyeuse, des couleurs chatoyantes, des formes galbées…
Cet objet du quotidien esthétisé puis recomposé est projeté dans une nouvelle réalité. Devant nos yeux les gélules se métamorphosent. Philippe Huart, artiste de la perception et de l’illusion, réalise pour la collection Art for All ce Passionate Love, une édition rouge et blanche de la série Effets Secondaires en format accessible. Dans cette œuvre, passion et jalousie, bonheur et folie, violence et vie sont cristallisés dans la profondeur des rouges alors qu’en contrepoids la pureté et la limpidité du blanc qui absorbe et réfléchit la lumière, renforce encore l’aspect fascinant de l’objet esthétisé. Devenu support de désir autant que symbole de nos addictions, ces trois gélules, emboitées les unes aux autres, forment un ensemble pouvant être présenté sous différents angles et chargé de nombreux degrés de lecture, dotant l’œuvre d’une dimension multiple et plurielle dans laquelle chacun sera à même de se projeter.
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Fonte de métal peint (rouge et blanc).
H. 8 × L. 12 × P. 8 cm – 1080 gr.
Signé sur un des éléments et numéroté à 300 ex.
Dim. de la boite : H. 8,3 x L. 14 x P. 10 cm
Vidéo
Jouant sur l’ambiguïté, Philippe Huart revient sur son travail et sa volonté de « voir ce qu’il y a derrière » les objets.